five | rindon johnson

Dieses Editorial begleitet die erste Einzelausstellung von Rindon Johnson bei max goelitz in Berlin. Basierend auf dem Science-Fiction-Roman Clattering von Johnson und Rainer Diana Hamilton präsentiert five eine raumgreifende Installation, die in Teilen anlässlich Johnsons Nominierung für den Future Generation Art Prize 2021 entstanden ist. Für die Ausstellung five wurde die multimediale Installation durch neue Arbeiten des Künstlers ergänzt und in ein erweitertes Ausstellungskonzept eingebettet.

Weitere Detailfotos und Informationen zu den Einzelwerken sowie die vollständigen Werktitel, die Gedichten gleichen, öffnen sich mit einem Klick auf die jeweiligen Abbildungen.

Folgen Sie Rindon Johnson mit dem Audio Walk durch die Ausstellung.

All Photos: Marjorie Brunet Plaza | unless otherwise stated 

Der Roman Clattering ist in Zusammenarbeit mit der Schriftstellerin Rainer Diana Hamilton entstanden und stellt unsere gewohnte Sicht auf Beziehungen, hierarchische Strukturen und Reproduktionssysteme in Frage. In Clattering gibt es kein Geschlecht, keinen Hunger, keinen Krieg und keine physische Gewalt, und doch bleiben bestimmte Gefühle und Emotionen vertraut und intensiv spürbar.

Anlässlich der Ausstellung wurden fünf der ersten 40 Seiten des Romans veröffentlicht, die einen Einblick in die literarischen Grundlagen von Johnsons Werken geben.

Johnsons künstlerische Praxis erweitert sein Schreiben zu räumlichen Installationen, die verschiedene Elemente oder Medien einbeziehen. In dem Roman beherrscht Sima, eine der fünf Hauptfiguren, das Handwerk des Glases und träumt davon ihre Fertigkeiten damit zu erweitern. Das dreiteilige Glasfenster Clattering ist eine Manifestation von Simas Fenster, das eine Brücke zwischen Fiktion zur Realität schlägt, indem Johnson die Grenzen zwischen Erzählung und physischem Bild verschmelzen lässt.

Clattering entfaltet durch einfallendes Sonnenlicht eine auratische Wirkung, die der Künstler im Kontext der Malerei des abstrakten Expressionismus der 1940er bis 1960er Jahre einordnet, in welchem Emotion und Spontaneität an die Stelle formaler Kompositionen traten. Wie Mark Rothkos Farbfeldmalerei verlangt auch Clattering, dass man es über einen längeren Zeitraum betrachtet. Dabei bezieht Johnson äußere Einflüsse wie den Zyklus der Sonne mit ein, die die Wirkung des Werks verändern und verschiedene auratische Qualitäten im Ausstellungsraum zur Geltung bringen. In seiner Auseinandersetzung mit Glas zitiert der Künstler – wie in vielen seiner Arbeiten – Teile der amerikanischen Kulturgeschichte, wie etwa die Herstellung von facettiertem Glas. In Clattering kehrt Johnson zu seinem Interesse an Tiffany-Glas und dessen zeitgenössischer Reproduktion zurück, eignet sich die Technik an und spielt mit mehreren Erzählungen gleichzeitig: der Geschichte von Clattering und der historischen Verwendung von Tiffany-Glas als Statussymbol für bestimmte amerikanische High-End-Konsumierende zu Beginn des 20. Jahrhunderts.

Installation view Law of Large Numbers: Our Bodies, SculptureCenter, New York (2021) | Photo: Kyle Knodell

Die Skulptur Fruit of the poisonous tree, Higher and more free! […] (2023) ist aus Eschenholz gefertigt und leitet als Handlauf in die Ausstellung. Als Infrastruktur dient sie als Stütze und versperrt gleichzeitig den direkten Zugang zum Raum. Johnsons wiederkehrende architektonische Interventionen reflektieren soziale Systeme und deren physische Manifestationen im Raum und verweisen auf Ungleichheiten und ausgrenzende Eigenschaften. Er thematisiert die Folgen dieser Konventionen und die Unterrepräsentation bestimmter sozialer Gruppen in den gesellschaftlichen Strukturen. Indem er die Betrachtenden in einem performativen Akt durch die Ausstellung führt, macht er die Manipulation der Architektur konkret erfahrbar – etwa den Einfluss einer Wand im Raum oder fensterlose Öffnung Examples: laughter in the morning and tears in the afternoon […] nach Außen. Johnson schafft einen Parcours durch die Ausstellung, in dem er Konventionen aufbricht. Die asymmetrische geometrische Struktur der Skulptur basiert auf der Zahl fünf, die Johnson und Hamilton als Grundlage des Romans Clattering verwenden, um die Vielfalt der Möglichkeiten und eine Kollektivität jenseits unserer vertrauten Binarität zu beschreiben. In dem Science-Fiction-Roman sind fünf Personen notwendig, um Nachkommen zu zeugen.

Beyond the pines, pines, pines, pines, pines […] (2023) ist eine aus gebrauchten Ziegelsteinen gestapelte Mauer, die sich wie eine Welle durch den Raum zieht. Johnson bezieht sich dabei sowohl auf Sol Lewitts Mauern im „Hoffman Garden“ in Dallas als auch auf die in Großbritannien verbreitete Form der „crinkle crankle walls“. Während Lewitt diese Form wählte, um den Wurzeln der Eichen im Garten zu folgen, wurden die Mauern ursprünglich verwendet, da sie aufgrund ihrer serpentinenartigen Struktur weniger Ziegel benötigen. Johnson löst die Architektur als rein abschirmendes Element auf, das Innen und Außen definiert und interessiert sich für die Möglichkeit die Form zu nutzen, um Fragen nach Zugehörigkeit und Abgrenzung zu stellen. Mauern können Assoziationen zu Themen wie Migration und Überwachung wecken, aber sie können auch einfach ein hier und dort markieren. Johnson reflektiert über die Auswirkungen der Raumgestaltung auf unser Empfinden und Verhalten und fragt, wie wir uns in diese größeren Strukturen einfügen und uns darin wiederfinden. Der Künstler verwendet diese Form in Innenräumen sowohl als Werkzeug als auch als Provokation: Grenzen sind für ihn sowohl künstlich als auch von Natur aus zerbrechlich.

Now you tell me. Like always, so much depends on a single white chicken in the orchard. […] (2023) setzt sich aus fünf Screens zusammen auf denen Live-Streams von Start- und Landebahnen von Flughäfen übertragen werden. Der internationale Flugverkehr kann 24 Stunden am Tag nachverfolgt werden und rückt die Betrachtenden in eine voyeuristische Position in der sie Zeugen der ständigen Bewegung und Vernetzung unserer globalisierten Welt sind. Wieder wählt der Künstler einen Ausschnitt in eine andere Realität, in der Ereignisse beobachtet werden können, die Besuchenden jedoch außerhalb der Geschehnisse stehen. Ähnlich wie bei der Betrachtung des offenen Fensters und der Backsteinmauer untersuchen diese zusammengetragenen Live-Streams die impliziten Fiktionen, die unsere Sicht auf sozioökonomische Systeme beeinflussen. Now you tell me. [...] symbolisiert das zeitgenössische kapitalistische Narrativ, dass die Zeit zu knapp ist, um den Folgen ihrer Einsparung Aufmerksamkeit zu schenken: Die ständige Verbindung von Orten durch Flugreisen hat Vorrang vor dem Wohlergehen des Planeten und einem nachhaltigen Umgang mit ihm.

Johnsons ausführliche Werktitel werfen auf poetische Weise zusätzlich Fragen hinsichtlich Autonomie und Macht auf, die als textliche Erweiterung die sprachliche Gewandtheit des Künstlers einbettet. Johnsons Überlegungen gehen stets von den Möglichkeiten und der Qualität von Sprache aus, welche die Werke wie Gedichte begleiten. Sie sind essentieller Bestandteil des Werks und durch subjektive Eindrücke des Künstlers gezeichnet, entziehen sie sich durch bewusste Ambivalenzen einer eindeutigen Lesbarkeit. Die vollständigen Werktitel öffnen sich mit einem Klick auf die Werkabbildungen.

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