bodies of resilience | gary kuehn

Gary Kuehn (*1939, New Jersey, US), dessen umfangreiches Werk Skulpturen, Malerei, Collagen und Zeichnungen umfasst, gehört zu den bekanntesten Vertretern der Process Art, die in den 1960er-Jahren den Kunstbegriff radikal veränderten. In seinen Skulpturen stellt Kuehn die Beschaffenheit des Materials in Frage und erkundet dadurch das Spannungsfeld zwischen Begrenzung und Freiheit. Seine Kunst zeugt von einem tiefen Verständnis für Materialeigenschaften, wobei einfache Formen wie Kreis, Quadrat oder Dreieck, in Verbindung mit einer Vielzahl handwerklicher und industrieller Materialien wie Fiberglas, Holz, Gips, Polyester, Aluminium und Stahl die Grundlage seiner künstlerischen Untersuchungen bilden. Dabei werden die geometrischen Formen oft Deformationskräften oder Bewegungsenergie ausgesetzt, räumlich verschoben, verknotet oder gestoßen, wodurch Kuehn in seinen formal abstrakten Werken stets auch einen emotionalen Wert generiert.

Photo: Andrea Stappert

Im Zentrum der Ausstellung steht die zweiteilige Skulptur Untitled (1969), die Elemente der Werkserien Box Pieces und Mattress Pieces vereint und die Betrachtenden mit ihrer eigenen Körperlichkeit konfrontiert. In den Box Pieces steht die Holzbox als stabilisierende Struktur, die etwas anderes umgibt, wobei der Künstler mit der Spannung zwischen Stützen und Einschließen spielt. Die Mattress Pieces zeichnen sich wiederum durch die Integration von Matratzen aus, als Elemente des alltäglichen Lebens, aber auch als weiche, formbare Körper, welche auf die Verletzlichkeit der menschlichen Existenz verweisen können. Kuehn passt die Form an und überträgt die Weichheit der Objekte in starres Fiberglas. 

In Untitled (1969) scheint so derselbe gelbe, rechteckige Körper aus Fiberglas auf der rechten Seite verformbar zu sein, zu erschlaffen und seine geometrischen Eigenschaften aufzulösen, während er auf der linken Seite von einer Holzkiste umhüllt, eingesperrt aber gleichzeitig auch gestützt wird. Dadurch erprobt Kuehn die Beschaffenheit skulpturaler Körper und die Überwindung von Strukturen, die sich auf psychische Zustände und Gefühle übertragen lassen. Es entsteht eine Analogie zwischen Skulptur und menschlichem Körper, die Fragen über Resilienz und die Bedeutung gesellschaftlicher Systeme aufwirft.

Die Skulptur The Provisionals (1969) besteht aus einem Aluminiumband und einem Stahlring, die mit Schraubzwingen aneinander befestigt sind. Das Aluminium verbiegt sich bei diesem Akt und scheint von der Form des Stahls entfliehen zu wollen, wird aber mit Druck an die starre Grundform gehalten. Die Widerstandsfähigkeit des Materials erzeugt einen visuellen Ausdruck analog einem körperlichen Zwang, aus dem sich ein Teil zu befreien versucht. Gary Kuehn nutzt immer wieder die Geometrie des Kreises und unterwirft ihn verschiedenen Verformungen, um eine Abweichung von der Norm oder von gesellschaftlichem Druck zu thematisieren. Dabei wird der Kontrast zwischen freiem Entscheidungsspielraum und vorherbestimmten Ereignissen als eine grundlegende Idee in Kuehns Werk deutlich.

Der Künstler beschreibt diese Arbeiten als eine Synthese von Materie und Erzählung, die auf einer physischen, materiellen Ebene sowie auf einer universellen, metaphorischen Ebene – Liebe und Hass, Leben und Tod, etc. – stattfindet. Die Skulptur verdeutlicht zudem Kuehns physische Auseinandersetzung und seine Faszination für das Verhalten von Materialien. Das Ergebnis ist eine Synthese von einfachen physikalischen Phänomenen und leicht fassbaren Formen, die komplexe psychische Zustände vermitteln und somit in The Provisionals materielle Realität mit metaphorischer Bedeutung verschmilzt.

Installation view Galerie Rolf Ricke (1969) | Photo: Archive Rolf Ricke

Die Zeichnungen sind Studien zu Kuehns skulpturaler Serie Melt Piece, in der scheinbar rigide und stabile Formen den Prozess des Schmelzens durchlaufen. Kuehn fängt den Moment ein, in dem sich die Geometrie verflüssigt und setzt damit ein Statement gegen die strengen Formen der Minimal Art. Sein damit früher postminimalistischer Ansatz rückt die Prozessualität in den Vordergrund und eröffnet Raum für Gefühle und Sinnlichkeit in der Rezeption von Kunst. Obwohl Kuehn seine Skulpturen aus der strengen Sprache seiner Vorgänger:innen entwickelt, verdeutlichen sie zusätzlich sein persönliches Interesse an Psychologie und menschlicher Erfahrungswerte. Die Thematik des freien Schaffens, das Ausloten von Grenzen und Zwängen, sowie die eigene Körperlichkeit in Bezug zu anderen ist allen Werken der Melt Pieces immanent. Das Fließende und Organische symbolisiert den Wunsch die absolute Form der Minimal Art, zugunsten eines emotionaleren Ansatzes, zu untergraben. Dabei wird dem Material selbst die Aufgabe übertragen, die internen Bedeutungen der Werke durch ihre Beschaffenheit zu enthüllen.

In Gary Kuehns Black Painting (1969) und Untitled (1970) scheinen die geometrischen Formen Kreis und Quadrat nicht mit der Fläche der Leinwand zusammenzupassen. Die Form der Malerei scheint über die Ränder der Leinwand hinauszureichen, beziehungsweise die Leinwand sich an diesen Stellen zu entziehen und ihre eigene Form zu finden. Wie ein Spiel zwischen Autonomie und Macht folgen beide Elemente ihren eigenen Willen, die gegensätzlich zueinander verlaufen. Kuehn weckt mit den Gemälden ein Gefühl der Beklemmung und hinterfragt die Rolle der Leinwand in Beziehung zum Bildsujet.

Die Werke aus der Serie Drill Drawings sind Zeichnungen, in denen Kuehn die Kontrolle bewusst abgibt und Fragen der Autonomie aufwirft. Er nutzt Pinsel als Aufsätze für eine Bohrmaschine und lässt die Maschinenkraft den Weg der schwarzen Farbe über das Papier vorgeben. Dabei verschwimmt die Grenze zwischen Künstler und Maschine und es ist unklar, ob Kuehns Körper zum stabilisierenden Werkzeug der Bohrmaschine wird oder ob er die Maschine selbst lenkt. Im Gegensatz zu Kuehns Gesture Project, bei dem die Grenzen des eigenen Körpers Fragen über Freiheit aufwerfen, zeigt sich bei den Drill Drawings eine gestische Bewegung, die scheinbar losgelöst vom subjektiven Willen stattfindet. 

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