inventing the past | group show

„Neil has been trying to break the convention of how we look at something or how we think of something, from the colonial history to the world we are living in, to society, to propaganda, to mechanism of power and to interrelation to people.“

– Roberta Tenconi, Curator of Digital Mourning, Hangar Bicocca

Photo: Nanda Gonzague

In der von Neïl Beloufa geschriebenen Fabel The Moral of the Story wird in sechs Kapiteln die Geschichte eines überarbeiteten durstigen Kamels erzählt, das von seinem Arbeitgeber in die Wüste geschickt wird, um sich zu erholen. Dort trifft es auf eine Gruppe von Wüstenfüchsen, die es für seine Zwecke einspannt, um eine schattenspendende Mauer zu bauen und welche wiederum eine Ameisenkolonie ausbeuten, um ihre Vorteile zu sichern. Am Ende stellt sich das Ganze für alle als nachteilig heraus und die arbeitenden Ameisen, sind gezwungen, sich kompakt zu organisieren und sich so vor einem katastrophalen Regensturm zu retten, der droht das Habitat aller Wüstentiere zu zerstören.

Diese Geschichte der Ausbeutung, formt Beloufa in Holz und bearbeitet diese mit buntem Acrylharz, um eine Serie von Wandarbeiten zu schaffen, die wie eine bittersüße Kindererzählung wirken. Der Künstler schafft hier anhand klassischer Erzählcodes eine Allegorie der zeitgenössischen Welt, die mit Verweisen auf kapitalistisch strukturierte Handlungen, die Intimität der Familie, Umweltkatastrophen und Artensterben, die Grenzen eines individualistischen Ansatzes aufzeigt.

The Moral of the Story besteht aus einer Vielzahl von Arbeiten, jedes Mal mit anderen Ansätzen und Formen, die in zahlreichen Ausstellungen präsentiert wurden, unter anderem auf der Biennale von Venedig und zuletzt in seiner umfangreichen Einzelausstellung im HangarBicocca und als interaktive Installation auf der Piazza Liberty in Mailand.

Neïl Beloufas Edition, die 2015 anlässlich seiner Ausstellung Hopes for the Best im Schinkel Pavillon entstanden ist, wirkt wie ein Relikt vergangener Zeiten. Auf einer grob geschnittenen Aluminiumplatte ist mit Epoxidharz und Kaugummi das Silberpapier des Kaugummis fixiert. Durch das feine Papier drückt sich jeweils eine Zeichnung Beloufas, die auf den ersten Blick Hieroglyphen ähneln und nach genauem Hinsehen eine Abbildung unserer Zeit offenbaren. Gebäude, Autos und Straßen lassen sich neben Bäumen und Tieren entziffern. Die starke handgemachte Atelierästhetik dieser Arbeiten mit rauen Kanten und alltäglichen Materialien verleiht den einzelnen Werken Unikatcharakter und widersetzt sich jeder Vorstellung einer glatten und nahtlosen Professionalität bildnerischer Produktion und unterstreicht somit die Ambivalenz, in der sich Beloufa als Künstler sieht. „Es ist ein Teil meines Arbeitssystems, Kunst so zu machen, wie Menschen Dinge tun – DIY, wenn man so will. Es erlaubt uns, eine gewisse Nähe zu diesen entfremdenden Elementen zu haben, sie zu desakralisieren und ihnen eine gewisse Zuneigung entgegenzubringen.“ Er spielt humoristisch mit den Erwartungen einer hochwertigen Kunst und erhebt gleichzeitig diese „armen Materialien“ durch eine ästhetische Aura, die an frühkulturelle Überbleibsel erinnern in einen Status der Wertigkeit.

Installation view Schinkel Pavillon, Berlin 2015 | Photo: Andrea Rossetti

Die Schweizer Künstlerin Natacha Donzé dekonstruiert in ihren Gemälden Machtstrukturen institutioneller, politischer und kommerzieller Systeme unserer Zeit, indem sie Fragmente dieser Ordnungen aufgreift und hierarchielos in ihre Bildwelten einbettet. Popkulturelle Zitate, wie architektonische Elemente aus Filmen verbindet Donzé mit wissenschaftlich geprägten Bildern und bringt sie mittels akribischem Pinselduktus und Air Brush-Technik auf die Leinwand. Statt die Oberfläche als Schnittstelle zum illusorischen Bildraum zu behandeln, rückt die Fläche der Leinwand in den Fokus, auf der sich wiederum dimensionslose Räume entfalten. In starker Farbigkeit untersucht die Künstlerin den Einfluss des Menschen auf seine Umwelt und schafft in ihren Bildern Schnittstellen zwischen unserer eigenen Realität und einem imaginären Darstellungsraum.

Die Edition Video Still Screen I (1973) ist ein Filmstill aus der zuvor im selben Jahr entstandenen Videoarbeit Color Wipe (1973). Der limitierte 4-Farben-Siebdruck, der von Gemini G.E.L., Los Angeles herausgegeben wird, steht exemplarisch für Sonniers experimentelle Arbeit über Gattungsgrenzen hinaus. In seinen Videoarbeiten kreiert er inhaltliche und visuelle Meta-Ebenen, in denen es um eine Erweiterung der Seherfahrung geht. In Color Wipe mischt der Künstler zwei gleichzeitig aufgenommene Videos und manipuliert diese mit Spezialeffekten, indem er mit Farbfiltern experimentiert. Ausgangspunkt dieser Bilder sind im Filmstudio hängende Farbtafeln, die von Kameras in vertikalen und horizontalen Bewegungen abgefahren werden, wodurch ein Flimmern erzeugt wird, das suggeriert, dass die Bilder selbst Monitore sind. Aus den aufgezeichneten Sequenzen, manipulierten Bildern und technischen Störungen entsteht ein Hybrid, das sowohl als Dokumentation des kreativen Aktes als auch als wissenschaftliches Experiment verstanden werden kann.

Der britisch-pakistanische Künstler Haroon Mirza (*1977 in London, UK) versteht sich als Komponist und erschafft mittels eines Instrumentariums aus Haushaltselektronik, LEDs, Möbeln, Fragmenten von filmischen Dokumenten, Referenzen aus der Popkultur und natürlichen Elementen wie Steinen und psychoaktiven Pflanzen einen Werkkomplex, der Licht, Ton und Objekte in einem vielschichtigen, sensorischen Erlebnis zusammenführt. In seinen Installationen stellt Mirza die Kategorisierung von kulturellen und künstlerischen Ausdrucksformen in Frage und beschäftigt sich ausserdem besonders intensiv mit dem Verhältnis zwischen Objekt und Ausstellungsraum, wobei er sich auf die Strategien der Minimal Art bezieht. 

Photo: Jennifer Boomer

Haroon Mirza realisierte 2018 in der Wüste von Marfa in Texas einen Steinkreis, der ähnlich wie Standing Stones (Solar Symphony 8), durch gespeicherte Solarenergie eine Klang- und Lichtpartitur wiedergibt, die zu jedem Vollmond aktiviert wird.
Die performative Verbindung der imposanten Präsenz des Steins und der Immaterialität des Sounds durch den Einfluss des Lichts, erzeugt ein Spiel zwischen Zeit und Raum, in dem das Gefühl von Vergänglichkeit im starken Gegensatz zur neolithischen Ästhetik der Installationen steht. Mirza verweist mit in den Standing Stones auf die Dichotomie des aktuellen menschlichen Eingriff auf die Umwelt und die durch ihn geschaffenen natürlich betriebenen Technologie.


Photo: Jennifer Boomer