The suite “Still Light” (1990–91) marks a pivotal moment in James Turrell’s translation of perceptual environments into the medium of print. Consisting of eight aquatints—Gard, Alta, Tollyn, Enzu, Munson, Squat, Juke, and Carn—the series revisits the formal and conceptual vocabulary of the “Projection Pieces” developed in the late 1960s, in which light was articulated as a volumetric presence within architectural space.

Produced in Zurich in close collaboration with the master printer Peter Kneubühler, the series belongs to a crucial moment in James Turrell’s print practice, when he translated the perceptual and spatial concerns of his light installations into the language of printmaking. Like the related suite “First Light”, “Still Light” draws on Turrell’s early projection works, in which beams and volumes of light appeared to occupy corners, walls, or ceilings as if they were solid forms. In the prints, this immaterial vocabulary is rendered through aquatint, a medium uniquely suited to subtle tonal gradations and to the paradox of making light appear tangible on paper.

What makes “Still Light” important is not simply that it documents earlier works. Rather, the suite demonstrates how Turrell could transfer an experiential, architectural art into a two-dimensional form without losing its perceptual intensity. Grey tonal fields, sharp edges, and glowing reserves of untouched paper create the impression that light is pressing outward from within the image plane. The prints do not depict objects; they stage acts of seeing. This is central to Turrell’s work as a whole: light is never merely an image or symbol, but a medium through which perception becomes the subject. In this sense, “Still Light” condenses many of the core ideas of Turrell’s practice—the instability of visual certainty, the conversion of void into presence, and the transformation of spectatorship into heightened self-awareness. The suite is therefore best understood as both a reflection on the early “Projection Pieces” and an autonomous body of work in which print becomes a site for the sculpting of luminous space.

“Still Light” thus foregrounds a central proposition of Turrell’s practice: that perception itself constitutes the primary material of the work. The suite invites a sustained engagement in which vision becomes reflexive, shifting attention from what is seen to how seeing occurs. Positioned between early projection works and later immersive installations, “Still Light” can be understood as a condensed, analytical iteration of Turrell’s broader investigation into light, space, and the phenomenology of viewing.



Die Werkreihe „Still Light“ (1990–91) markiert einen entscheidenden Moment in James Turrells Übertragung von Wahrnehmungsräumen in das Medium der Druckgrafik. Die Serie von acht Aquatinten – Gard, Alta, Tollyn, Enzu, Munson, Squat, Juke und Carn – greift das formale und konzeptuelle Vokabular der in den späten 1960er Jahren entwickelten „Projection Pieces“ auf, in denen Licht als volumetrische Präsenz innerhalb des architektonischen Raums in Erscheinung tritt.

Entstanden in enger Zusammenarbeit mit dem Drucker Peter Kneubühler in Zürich, überführt die Serie die räumlichen und wahrnehmungsbezogenen Fragestellungen von Turrells Lichtinstallationen in die Druckgrafik. Ähnlich wie die verwandte Werkreihe „First Light“ bezieht sich „Still Light“ auf frühe Projektionsarbeiten, in denen Lichtbündel und -volumina Ecken, Wände oder Decken so besetzten, als nähmen sie die Dichte fester Körper an. In den Blättern wird dieses immaterielle Vokabular mittels der Aquatinta formuliert, einem Medium, das sich für feinste tonale Abstufungen eignet und das Paradox ermöglicht, Licht auf Papier als etwas Greifbares erscheinen zu lassen.

Die Bedeutung von „Still Light“ liegt jedoch nicht allein in der Bezugnahme auf frühere Arbeiten. Entscheidend ist, dass es Turrell gelingt, eine erfahrungsbezogene, architektonisch gedachte Praxis in ein zweidimensionales Medium zu überführen, ohne deren perzeptive Intensität einzubüßen. Graue Tonfelder, scharf gesetzte Kanten und leuchtende Flächen des unbearbeiteten Papiers erzeugen den Eindruck, als dränge Licht aus der Bildebene selbst hervor. Die Arbeiten zeigen keine Objekte, sondern inszenieren Wahrnehmung.

In diesem Sinn bündelt „Still Light“ zentrale Motive seiner künstlerischen Praxis: die Instabilität visueller Gewissheit, die Umkehrung von Leere in Präsenz und die Transformation des Betrachtens in gesteigerte Selbstwahrnehmung. Zwischen den frühen Projektionsarbeiten und den späteren immersiven Installationen situiert, lässt sich „Still Light“ als verdichtete, gleichsam analytische Ausprägung von Turrells umfassender Untersuchung von Licht, Raum und der Phänomenologie des Sehens verstehen.